Come editore, come riesci a conciliare gli elevati standard artistici con la realtà del mercato?
Fondata a Parigi nel 2009, DCW éditions si è affermata come una casa di illuminazione unica nel suo genere. Più che un produttore, è un creatore di oggetti senza tempo progettati per durare nel tempo, lontano dai diktat dell’effimero. Ogni luce diventa un compagno quotidiano, un testimone tra generazioni, ma anche un narratore. L’azienda valorizza l’inventiva dei designer e la scintilla creativa, trasformando la luce in poesia, in legame, in convivialità.
intervista esclusiva
Dietro le quinte di questa luminosa avventura, abbiamo incontrato Frédéric Winkler, uno dei tre fondatori di DCW éditions e voce originale del design francese. Come editore, guarda oltre la funzione per trasformare l’illuminazione in un oggetto sensibile che trasmette emozioni e immaginazione. Insieme a Ema Pradène, sua amante della ceramica, coltiva un approccio sincero, alimentato da storie intime e dallo spirito dell’infanzia.
Ancorato tra Parigi, le montagne e le coste del Marocco, Fred crea un mondo in cui arte, design e natura interagiscono perfettamente. Ogni creazione nasce da una storia, ogni oggetto trova il suo posto in una ricerca di autenticità e ogni collaborazione viene vissuta come un’avventura umana. Condividendo con noi la sua vita quotidiana, ci apre le porte di un mondo in cui il dettaglio non è mai insignificante, ma è l’espressione viva di un’arte di vivere attenta e poetica.
In che modo la meraviglia dell’infanzia ispira i vostri apparecchi di illuminazione, che chiamate “giocattoli per adulti”?
Per me le nostre luci sono come giocattoli, come questo vecchio giocattolo meccanico degli anni ’30 che ancora custodisco. Che siano di ieri o di oggi, conservano il loro meraviglioso carattere grazie alla bella intenzione che le ha fatte nascere. Mi piace l’idea di oggetti che vibrano nel tempo e che portano con sé un legame segreto con l’infanzia e l’immaginazione. E spero che, come i giocattoli di un tempo, le creazioni di DCW Editions superino la prova del tempo e siano ancora con noi tra cento anni.
In che modo i tuoi ricordi d’infanzia hanno ispirato questi “piccoli mondi” luminosi?
L’idea di “Polly Pocket per adulti” è nata da una conversazione con il designer Charles Kalpakianche ha progettato le lampade da paretelampade da parete Soul. Parlava dell’atmosfera delle strade di Beirut quando era bambino e io ho subito pensato alle mie figlie e ai mini universi che offrivo loro. Sono sempre stato affascinato da questi “piccoli mondi” – dai termitai alle storie di Kazuo Iwamura – dove tutto sembra possibile. Per me le nostre case sono simili: mondi a parte, magici, quasi immaginari. Alla fine, cerco sempre di recuperare la mia infanzia che, per fortuna, è stata meravigliosa.
“Per me le nostre luci sono come dei giocattoli, come un vecchio giocattolo meccanico degli anni Trenta. […] Sono sempre stato affascinato da questi piccoli mondi in cui tutto sembra possibile”.
Come è nata la tua passione per gli oggetti?
Spesso dico che sono un collezionista, ma è una scorciatoia. Tutto è iniziato da bambino, quando mio padre mi portava ai mercatini delle pulci e alle aste di Lione. Compravo sempre candelieri, già affascinata dalla magia delle candele. Mia madre ne accendeva sempre una prima della canzone serale: un rituale d’infanzia impresso nella mia memoria. Negli anni ’70 avevo anche la mia “candela di lusso”: una Rigaud, con il suo cilindro zebrato bianco e nero e la cera verde abete. Il suo profumo natalizio mi torna ancora in mente ogni tanto. Poi ho iniziato a comprare lampade… e non ho più smesso.
In seguito ho capito il perché di questa ossessione: oltre al ricordo di mia madre, c’era il piacere di trasformare uno spazio. Adoravo decorare la mia camera da letto, cambiando l’atmosfera senza stravolgere nulla. Cosa c’è di più semplice di una lampada quando l’oggetto è giusto? L’occhio lo cattura e la luce fa tutto: il tono, l’umore, quasi il profumo di una stanza. La luce è ciò che condividiamo, come il profumo del pane tostato o della torta di mele la domenica mattina.
Gli scandinavi lo capiscono: belle lampade, la luce giusta, nient’altro. Sono orgoglioso che loro – e i tedeschi – amino le nostre creazioni per i loro standard elevati. E che dire dell’Italia? La terra dell’illuminazione! È l’Italia che mi ha spinto a diventare editore. Sono eccellenti… ma oggi credo che ce la caviamo piuttosto bene.
“Cosa c’è di più semplice di un apparecchio di illuminazione quando l’oggetto è giusto? L’occhio lo cattura e la luce fa tutto: il tono, l’umore, quasi il profumo di una stanza.”
Come editore, come riesci a conciliare gli elevati standard artistici con la realtà del mercato?
Non si può essere editori senza fare soldi. Siamo stati fortunati a iniziare con la ristampa della lampada Gras. Lo abbiamo fatto ridendo, ma giocando con la serietà dei bambini. Senza saperlo, era il momento giusto! Come l’editore di un libro… Chi sapeva che Harry Potter sarebbe stato un successo? Il libro ha parlato a un editore a cui è piaciuto, semplicemente, e che ha calcolato il rischio. È questo il senso dell’editoria: ti piace, vuoi condividerlo e poi valuti il rischio.
Mi è capitato di imbattermi in un oggetto che mi piaceva molto, ma che non potevo pubblicare perché era troppo rischioso. Non dobbiamo dimenticare che abbiamo anche una responsabilità nei confronti di chi si assume il rischio con noi: penso ai negozi, ai siti web… Quindi stiamo attenti e a quel punto possiamo permetterci di fare libri di poesia. La lampada ISP è un po’ come una raccolta di poesie. Per fortuna è stata acclamata fin dall’inizio. Esteti famosi come architetti, arredatori e registi cinematografici l’hanno acquistata per sé. In tutto il mondo ha riscosso questo successo. Attenzione, non sto parlando di un successo come quello del libro di Harry Potter, ma piuttosto della raccolta di Francis Ponge Le parti pris des choses.
Puoi parlarci di questo successo, che illustra l’equilibrio tra la sua storia di design e il modo in cui accoglie i clienti?
Ilia Sergeevich Potemin aveva una forte convinzione: “Più avanziamo, meno sapremo usare le mani. Il giorno in cui smetteremo di usare le mani, l’uomo regredirà al di sotto della scimmia”. L’idea era quindi quella di creare una lampada che costringesse all’interazione manuale per conservare l’abilità e l’impegno delle mani in un mondo sempre più automatizzato. PerPSI, la mano diventa l’interruttore e il dimmer. Dimitri Lefoulon, ingegnere dell’Ecole Centrale de Paris, ha collaborato con Ilia per sviluppare un sistema interno per una lampada degno della fantascienza! Adoro il Musée des Arts et Métiers. Forse un giorno un futuro curatore chiederà di integrare la lampada ISP. lampada ISP.
Molte edizioni DCW sono presenti nella tua casa. Perché le vuoi?
Prima di pubblicare un oggetto, viviamo con il suo prototipo per qualche tempo. Si tratta di una fase di prova, essenziale per il processo: testare l’accuratezza dell’oggetto e la sua luce, la sua temperatura, la sua potenza… e verificare che il pezzo sia in grado di resistere all’uso quotidiano. A volte ho rinunciato ad alcuni modelli semplicemente perché non erano all’altezza del test o perché non li ritenevo pienamente sviluppati. Come si può spiegare questo? Questo è ciò che rimane inspiegabile.
“Pubblicare è: amare, voler condividere, poi valutare il rischio, proprio come un editore di libri”.
Come si fa a trovare un equilibrio tra sorpresa e atemporalità?
Le creazioni di DCW éditions si distinguono per la loro originalità, ma senza mai cercare di provocare. Mi piace l’idea di essere un generatore di onde piuttosto che un seguace. Quello che facciamo è sempre contorto, ma rimane classico: è sorprendente, senza essere scioccante. A differenza di alcuni designer che ammiro, non cerchiamo di sconvolgere le cose, ma piuttosto di offrire una prospettiva diversa, una sottile poesia. Alcuni dei pezzi riflettono questa ricerca. La lampada Niwaki di Brichet e Zieglerispirata agli alberi giapponesi scolpiti nelle nuvole, mi sembra un oggetto straordinario, destinato a diventare un futuro pezzo da museo nonostante il suo discreto successo. La lampada lampada Knokke di Éric Dormael trasforma una foresta di lampioni in un oggetto poetico, mentre la lampada portatile di Jean-Louis Fréchin si ispira all’idea di catturare un raggio di sole. La nascita delle collezioni non è mai calcolata: nasce da incontri e momenti. Come il sogno di andare sulla Luna con il mio amico Bernard Paillard, che si è trasformato in una serie di quindici immagini ora in mostra nelle Edizioni DCW. Oppure Davis Sakne, che ha scattato le foto di questo reportage e di cui ammiro l’occhio singolare, capace di catturare ciò che gli altri non riescono a fare: la poesia dei colori, dei riflessi e delle sfocature. È un po’ come il figlio di Saul Leiter, il grande fotografo americano della metà del XX secolo, che ha catturato la poesia della vita quotidiana a colori – tra apparizioni, riflessi e momenti sospesi.
Come hai conosciuto Ema, la tua amante?
Un amico le aveva dato un invito a Maison & Objets, che lei non conosceva. All’epoca Ema stava scoprendo l’illuminazione di DCW éditions e, senza esitare, mi accusò di aver copiato le lampade lampade Grasche trovava assolutamente vergognose. Le spiegai che in realtà si trattava di riedizioni, pubblicate con licenze specifiche. Eleganti e insolite! Sembrava uscita da un cartone animato: una grande pelle di pecora gettata sulle spalle, un tipico abito verde di Dries Van Noten – un verde degno di una storia per bambini – ed enormi zoccoli di legno ricoperti di pelle di pecora. Dopo questo primo scambio colorato, ci siamo incontrati di nuovo. Ema mi invitò nel suo studio, dove acquistai un primo pezzo, poi un secondo, poi un terzo… finché le nostre strade non si incrociarono sempre di più.
Ema è una famosa ceramista. Esteticamente potrebbe essere paragonata a Claude Champy, ma con un approccio più femminile. Condividiamo un’ammirazione comune per il suo lavoro e viviamo con diversi suoi pezzi. Ci piacciono i suoi viaggi tra astronavi e piante marine. Le sue opere, potenti e casuali, sono piene di vita.
“Le creazioni di DCW éditions si distinguono per la loro originalità. Il desiderio di offrire una prospettiva diversa. Le collezioni nascono da incontri e momenti creativi”.
Nel cuore della loro casa, lo studio di Ema è una parte naturale del mondo che creano insieme. Compagna di vita e di creazione, incarna una presenza attenta e un’energia complementare. Il suo viaggio è un’odissea straordinaria: cinque anni e mezzo in giro per il mondo con il figlio piccolo, alla scoperta delle abilità ancestrali della ceramica. Dopo una prima immersione in Giappone – dove ha vissuto, imparato la lingua e scoperto l’arte – ha continuato il suo apprendistato in Europa, Africa e Asia. Il suo viaggio si è concluso dove tutto era iniziato, con un bagaglio di conoscenze accumulate e la capacità di perfezionare un gesto che ormai padroneggia.
Hai intrapreso un tour mondiale di cinque anni. In che modo questa esperienza e la scoperta della ceramica in Giappone hanno plasmato la tua carriera?
È stato in Giappone che ho conosciuto la ceramica, scoprendo il suo profondo legame con l’arte della cucina. Le stoviglie, in particolare, mi hanno emozionato per il modo in cui interagivano con il cibo. In Francia, al giorno d’oggi, la ceramica è fredda, troppo minerale, un mezzo senz’anima. In Giappone è l’opposto: è carnale, incarnata… un legame essenziale che richiama la natura nel suo stato d’essere. Il mio giro del mondo ha quindi assunto la forma di una ricerca: incontrare culture forti e variegate, accumulare conoscenze, dare gradualmente forma al mio linguaggio artistico.
Durante questo viaggio di iniziazione, quali paesi hanno alimentato in modo particolare la tua visione della ceramica e quali culture hanno lasciato un segno indelebile nel tuo lavoro?
Ogni paese in cui ho viaggiato è stato importante. Dalla Persia e dall’Egitto al blu intenso dell’Uzbekistan, ognuno di essi ha alimentato la mia visione. L’Iran è stato un passo importante: amo l’arte pre-islamica iraniana, è straordinaria. L’India e il Marocco mi hanno fatto scoprire la ricchezza delle loro tradizioni islamiche, mentre la Spagna e l’Italia mi hanno ricollegato alla mia “cultura ancestrale” attraverso gli antichi villaggi di ceramiche. Infine, il Giappone ha concluso questo viaggio di cinque anni, come un ritorno alle mie radici, dove ho potuto approfondire e perfezionare il mio mestiere.
Il Giappone sembra essere una fonte di ispirazione fondamentale per te, come mai?
Per me le stoviglie sono indissolubilmente legate a ciò che contengono. È direttamente collegato a ciò che si mangia. Ogni piatto ha la sua cornice: il pesce in ceramiche che ricordano il mare, il riso in ciotole che evocano campi e fiumi, il tofu in disegni ispirati alle montagne. Questa corrispondenza crea un vero e proprio cerimoniale, semplice e allo stesso tempo profondamente piacevole. Lo interpreto come un modo tipicamente giapponese e animista di ringraziare una natura tanto generosa quanto talvolta violenta. “Un gesto di gratitudine, apparentemente discreto ma profondamente essenziale.
Questo approccio ti ha portato a lavorare con chef stellati? Come funzionano queste co-creazioni?
Lavoro regolarmente con gli chef, in uno spirito di co-creazione in cui i nostri universi si alimentano a vicenda. Con Hélène Darroze, il principio guida è stato la rotondità e la morbidezza, come nel suo ristorante. A Marsiglia, le creazioni per Alexandre Mazzia hanno assunto i colori del suo mondo: i blu del mare, i gialli della sabbia, i tocchi di corallo. Il mio ruolo è sempre quello di adattarmi alla loro visione: “Questo è il loro ristorante, il loro mondo a parte”. Tuttavia, la mia firma verde, che inizialmente ho scelto per la sua semplicità prosaica legata alla natura, torna spesso in queste collaborazioni e suscita molto entusiasmo.
La tua formazione iniziale è insolita nel mondo dell’arte. Raccontacela!
Prima di dedicarmi all’arte, ho seguito un percorso completamente diverso: ho studiato medicina. Ben presto mi resi conto che non potevo più sopportare la sofferenza dei pazienti. Su consiglio di un professore che mi vedeva come un’artista, ho svolto la mia tesi di laurea studiando disegno come candidato indipendente a Penninghen. Questo è stato un periodo fondamentale, perché sognavo di diventare un pittore, ma la ceramica non era ancora sulla mia strada.
Il tuo processo creativo nella ceramica lascia spazio all’inaspettato? E che ruolo ha la natura in questo processo?
Nella ceramica non inizio mai con un disegno preparatorio. Il disegno e la pittura appartengono alla pittura, ma per la ceramica il mio processo è molto diverso: più organico, più sperimentale. Mi lascio andare al caso e poi riprendo se il risultato mi ispira. La natura, invece, è una costante, quasi una necessità vitale. Anche a Parigi ho bisogno di essere circondata dal verde. Questo è senza dubbio legato alla mia infanzia in campagna, in una casa in stile giapponese progettata per integrarsi nel paesaggio. Questo rapporto intimo con l’ambiente ha sempre alimentato il mio lavoro.
“È stato in Giappone che ho conosciuto la ceramica, quando ho scoperto il suo profondo legame con l’arte della cucina.
Qual è il legame tra la tua casa e il tuo showroom?
La nostra casa è un viaggio nel tempo, con la speranza di respirare il domani! Una casa che profuma di amici. Ho amato molto i film di Claude Sautet…
Lo showroom ospita DCW éditions, la sorella minore Dix heures Dix e gli interruttori Modelec. Lui e n la tua casa hanno una cosa in comune: sono luoghi di incontro. Se nello showroom c’è un camino, è perché è bello fare un flambé al mattino davanti a un caffè, così come è bello arrostire le castagne alle 17.00. Il lavoro è vita! E nella vita bisogna farsi del bene, quindi…
Ho iniziato la mia carriera alla Virgin. Era uno stile di vita in cui tutti erano molto impegnati, in cui tutti avevano scelto di lavorare in questo settore. Questo non mi ha mai abbandonato! I tempi sono ovviamente cambiati. I giovani di oggi sono molto rigidi sul tempo da dedicare al lavoro. Frammentano la loro vita in diverse attività: la cucina fa rima con l’arrampicata, lo yoga e le lezioni di slackline… Anche questo è un bene! L’importante è non sprecare la propria vita guadagnandola! Non da me, ma da Alfred Capus.
Perché lo showroom si chiamava Bar Electrique?
Il piano terra è come una casa: noi viviamo con le nostre luci e anche i visitatori. Aperto al pubblico tutti i giorni della settimana, c’è un camino, un’isola di cucina e una sala giochi con backgammon! Per i professionisti, è accessibile 24 ore su 24, 7 giorni su 7 con una tessera di accesso, e la dispensa è sempre pronta… Tomme de Savoie e tutto ciò che ne consegue! Questo ti permette di percepire l’oggetto e la sua luce. Quando un architetto inserisce una lampada in un progetto, quando acquisti una lampada per te, la tieni per molto tempo! Forse per tutta la vita, se l’oggetto è buono.Non puoi sbagliare se è per la vita! . E a volte la vita cambia, possiamo evolverci. Se la lampada è buona, non finirà mai su un marciapiede, abbandonata perché non amata. Gli oggetti sono testimoni…
Al Bar Electrique vivrai un’esperienza nuova, vivrai un momento, una piccola esperienza per il tempo…
La scala del tuo showroom è un elemento architettonico spettacolare. Qual è la sua storia e l’ispirazione alla base del suo design?
L’architetto Valérie Mazerat ha avuto l’idea: “Abbiamo bisogno di una scala forte, un punto di riferimento architettonico”. E aveva ragione. Su suo consiglio, l’eccellente stuccatore Sébastien Mauriac ha progettato questa volta saracena, che è diventata la vera firma del locale. Grazie a questo gesto, lo spazio ha trovato il suo carattere e il suo successo.
Perché pensi che gli apparecchi di illuminazione definiscano e diano forma a un ambiente?
È una convinzione profonda. Sono gli oggetti che danno l’anima a un luogo, perché parlano di noi. Un look totale è noioso. Se non parli di te stesso, puoi solo parlare degli altri. E se parla solo degli altri, sa almeno chi è?
Una casa è un nido intimo, un luogo dove “vivere”, ricevere, scambiare e crescere insieme. Abbiamo davvero bisogno di oggetti? Non proprio, ma comunque. Certo, non credo e non sottoscrivo l’ultima lampada che bisogna avere per essere. Ma gli oggetti raccontano storie, parlano della nostra storia.
C’è una coppia di ristoratori sopra Nizza, in montagna. Una locanda meravigliosa, è così buona! Quasi tutte le lampade sono di DCW Editions. Non sono poi così male!
Mi chiede: “Ti piace?
– Lo adoro.
– Ma il mio dipinto con il cane lupo… non ha un bell’aspetto con le tue luci.
– Da dove viene la tua pittura?
– È di mia nonna. Credo che mi porti fortuna.
– Quindi il tuo quadro ha il suo posto!
Gli oggetti sono carichi! Dalla loro creazione ai loro viaggi nel tempo e nello spazio, parlano di noi e dialogano con noi.
Chi sono i seguaci di DCW Editions? Parli spesso di architetti e registi, ma non li citi mai, perché?
È complicato parlare di altre persone. Solo perché una persona famosa o nota ha acquistato una lampada non significa che sia una buona lampada. Prima di tutto, deve essere buona per te! È vero che le persone che toccano le cose con gli occhi, come gli architetti, i decoratori, gli artisti e il mondo del cinema, spesso apprezzano ciò che facciamo. È fantastico, la tribù sta crescendo! In ogni caso, la bellezza non ha mai fatto male e sono sicuro che la fa. Grazie a tutti gli autori con cui lavoriamo. E un grande grazie a Gaëlle Lauriot-Prévost e Dominique Perrault. Ci hanno seguito quando non eravamo ancora una casa editrice famosa.
Fotografi
Davis Sakne
Clément Gérard
Baptiste Le Quiniou